ROME - COLOSSEUM NEW THEATER

Saturday, January 12 Sunday, 13 hours 21 hours JANUARY 17

XLAB presents STORIES OF THE MANDALA conciliation stage for voice and datasuit

with FRANCESCA OF MONICA by MAURO LUPONE

Hypertext and dramaturgy ANDREA BALZOLA Music, Sound design and interaction audio MAURO LUPONE Video THEO ESHETU with the collaboration of SAMUELE MALFATTI with the participation of ANDREA CARABELLI, MARION D'HAMBURG, CATERINA DE REGIBUS, MAXIMUM VERDASTRO, FRANCIS AND RICCARDO COURSES Costumes MARION D ' HAMBURG Technical Manager Audio GIANLUCA CAVALLINI Coordination, Logistics and Documentation ANNA MARIA MONTEVERDI

The Story of Mandala is an interactive tecnospettacolo where signs expand in an environment mandalico immersivo consists of a wrap-around score of words, sounds, gestures and images. From body-voice of the performer FRANCESCA OF MONICA activates a stream of video images and sounds in a period of change following the drama hypertext and labyrinthine written by ANDREA BALZOLA. A dress with sensor technology will be the center of generation of digital audiovisual actions created on a sound score by the composer interactive electronic MAURO LUPONE in which plug processing video artist THEO ESHETU in collaboration with SAMUELE MALFATTI

Info and reservations: Anna Maria Monteverdi +39 328 5416 581

anna.monteverdi @ gmail.com

Press Office XLabfactory Giovanna Nicolai +39 333 6638 186
giovanna.nicolai @ libero.it

COLOSSEUM NEW THEATER Via Capo d'Africa, 29 A _Ufficio Press Theatre: Sabrina Andreocci

Each year in early January, pulling the sums. Winners and losers, successes and failures, surprises and disappointments of a season are cut and analyzed. The spontaneous reflection on the Italian cinema had already made the time no suspects. So take advantage of the usual examination of conscience at the end of the year to focus our attention on a particular film genre: the documentary.

In order to properly analyze a phenomenon we must, above all, know their amount. In 2007, in Italy, have been produced 97 documentaries, very large number if inserted in the overall context of production nostrana. During the same period, in fact, the amount of fiction film reaches the 89 films. It 'obvious that the various production costs and greater adaptability of the documentary to new technology underpins the achievement but it is equally clear that the culture of the documentary is well developed in the country. With this form, you not only continue to try directors affirmed (For factory Francesca Comencini, A Foot in Earth and the other in the sea by Silvio Soldini), but also confront the new generations (of Auschwitz 2006 Saverio Costanzo). Affianco to them, moreover, Italy boasts some great interpreters of this sort that, even in 2007, have helped to raise the level of Made in Italy (Talsi Corso Salani, The ways of medicines by Michele Mellara and Alessandro Rossi).

Faced with a production so interesting and varied, however, the Italian distribution remains blind. Of the 97 titles only one, we also rose Alina Marazzi, is scheduled for publication in 2008. For this reason, are of vital importance festivals and exhibitions, which, unlike salt, show a growing interest in the genre. It develops so whole sections parallel, the last Italian DOC festival in Turin, dedicated to the promotion and dissemination of documentaries. Precisely at a festival, that Cinemambiente that always makes the documentary his reason, the encounter had with the directors and Mellara Rossi has shown us as well as from the problem of distribution appears crucial. Distribution that, of course, should not at all correspond to mainstream. For films like these small circuits, clubs, cinemas d'essai should be a safe harbor, a meeting place, a center of interest. Yet this is not the case. Except for festivals only television documentary seems to be interested. Both satellite channels that the generalist networks, RAI 3 in particular, have managed to carve a space for documentary films as allowing 99 Amaranth Frederick Micali to become a small media phenomena. Once again the much bistrattata television can recover what too hastily cinema has discarded. On closer look, however, it would seem natural. The Italian distribution system moves a second scheme that recalls the structure of networks of broadcasters ammiraglie generalists. As for the latter is therefore unthinkable that a documentary arrivals on cinema screens. The target audience of this kind is indeed too narrow to answer a market policy that makes the quantity its totem. This policy, however, hardly disputable. The difference however between small and big screen is the presence, on television, next to the networks by the great share of satellite channels are not forced to chase important numerical results and therefore free to put their schedule on quality. The proliferation of media, the first satellite and digital terrestrial then, has increased exponentially these possibilities.
For their operators and distributors do not seem interested in a policy that diversifies its investments. Indeed, just watch out for Christmas shows the preferable multiply the number of cinemas where the projected cinepanettoni rather than spend even a small space to film niche.

Thanks therefore to the possibilities of home video, at festivals and on television, but especially the efforts of directors and authors with the Italian documentary tackles in 2008 with the right momentum. Many films, often by the rate of quality, are the baggage that this kind brings with it from the old year. Fossero these premises for the entire Italian film could really drink happy.

"My heart has more rooms of a brothel" but the mind, the soul can remain virgin, blemish for one who has loved first. And 'this, in short, the heart of romantic love in the time of cholera Mike Newell.

"Life is not one that has lived, but what you remember, and as you remember to raccontarla." E 'enough of this sentence Nobel laureate Gabriel Garcìa Márquez, author of the novel from which the film is taken, to understand the structure and logic of this film. And I remember the story, fiction and reality are pieces of a puzzle with which Newell, sin dall'iniziale flashbacks, reconstructs the figure of Florentino Ariza. And it is precisely the game tell to make the impossible possible. So Florentino, who notes with detail all his love adventures in a notebook, can magically remain virgin. And 'the power of memory, which clears and mistifica. And 'poetry, tell jokes that, on the pages of a book or in the middle of a film, with the truth. Because, basically, in front agl'occhi and smile now senior Fermina the old Florentino is truly immaculate. Everything that we have been told is just a memory, a sign that vanishes. And in this vanish in the past that you cancel, in which exceeds gl'anni that sweeps away, clears the names notebook explodes from the romance of this tale. A modern fairy tale that transforms even the drama of cholera, plague initially represented as fatal in half, a vehicle to the last breath triumph of love.

What Mike Newell, director able to switch easily from lighter tones of Four Weddings and a Funeral to the most agitated of Donnie Brasco, is an adaptation built to enhance the romantic and sentimental tone of the original novel. Whether written by Gabriel Garcìa Márquez is prestasse to a similar operation was a foreseeable risk but the purpose of Newell appears, at times, too shameless. Thanks, however all'ennesima proof of actor Javier Bardem, capable of divincolarsi often dall'aura melensa around him, the film still runs without weighing almost never sull'attenzione the viewer. Next to him, in the role of Fermina, a Giovanna Mezzogiorno not get too often theatrical and excessive. To her, and makeup, should be recognized the ability to turn into an old lady of the first nine hundred with great credibility.

If you feel the need to spend a couple of hours of love and molasses or if you need some romantic phrase to be able to write this movie just seems the perfect solution.

Donald Spoto is one of the finest and universally known biographers of movie stars. Appreciated for its detailed and always tasty chronicles real-life related to famous actors and film directors, he has managed, thanks to his deep knowledge of the facts and his style spicy, penetrate the most hidden corners of lives held for the most part under reflectors, illuminandoli through his anecdotes private (see the Marylin).

Note is care certosina deployed by the author especially in the preliminary work of acquiring and collecting the material always comes from a myriad of disparate sources but always reliable, which are not even aware of this latest biography focuses on the life of a great interpreter of the screen and stage as Ingrid Bergman: the actress who, to paraphrase the title of beloved Hitchcock, lived several times. Un'infanzia sad and lonely, his, un'adolescenza all spending in his visceral love for the theatre and drama, the youth spent reap the first successes, the first in Sweden and then in Hollywood, the troubled relations sentimental and complicated bond with the firstborn Pia maturity, the delicate phase of the masterpieces made with Rossellini and the scandal of outside marriage, the revenge staff followed it, as a woman and as a muse of other important European authors (Renoir, Bergman), the terrible disease that struck. In each of these challenges with life, always find light, and finally victorious, strong of his unshakable strength, the hardening of its regulated subsidiary of Sweden, which did not abandon ever.
Spoto provides frames of loving, prepared in an imaginative style romance, especially those crucial chapters of the life of Bergman wrapped dall'oscurità more dense. And 'the case of his troubled childhood, suffering from numerous deaths and marked by frequent moving from one relative to another, from Sweden to Germany. The various chapters in which this story is real life gives argued reconstructions of all the palpito vibrant that they had to possess in reality. And like those exciting moments dell'appassionata, never doma, horseback riding earthly Ingrid Bergman, must have been filled. Spoto really satisfied everyone: those who are looking for curiosity linked to its most famous films or filmmakers that directed (from Casablanca to Notorius), and who, perhaps, is more intrigued by its relations with men like the legendary photographer Robert Capa or other colleagues more or less known that the Swedish passion was in turn linked.

A reading godibilissima, even for those who do not fall within the large group of fans of (anti) Swedish diva, who seems to have one, although not negligible, sins. The optical smear taken against her various partners, a position endorsed Manichean with all evidence to make highlight the statuary magnitude as was truly a holy martyr like Jeanne D'Arc so revered by a woman, made unforgettable also by its mistakes much land, who make it so dear and close in its human weaknesses. And so in many, by the director Victor Fleming, wound up in a few words like grotesque latin lover in old age, ubriacato charm dell'attrice which sent the pathetic cards, Roberto Rossellini, dell'attrice second husband and her loving relationship far more important - according to the same Bergman - and father of three of her four children. Rossellini is branded as a sort of genius very "alleged" and not very real, while premurosamente Spoto explains to his readers that in reality, yes, Rome Open City was a film important, but that already Paisan was but a sort of rag-bag narrative. In fact, both throwing discredit on the non-existent moral of the main companions of life of Ingrid, the paradoxical effect is to appear un'avventata a woman who, elsewhere, efforts are made to show how ready with intelligence and intuitiveness lively. But this is really the only fact that you can turn to a Volume very voluminous and which really reflected all the life of quest'interprete both loved and generous. Read to believe.

Twenty-five years without Ingrid

Author: Tiromancino

Title: The Sunrise Tomorrow

Label: Cservizi

Tracklist: 1) Angles Of Heaven 2) The Sunrise Tomorrow 3) Another Sea 4) Stop Making Numbers 5) Kill The Pain 6) Niña De Luna 7) Poor Men Nero Bifamiliare 9) Not For The Eternity 10) Line Border 11) Empty Can 12) Roma Nuda 13) Blue

The CD, on the market for some time, is also a tasty extra Collector's edition of Nero Bifamiliare published by the International Home Enterteinment

L 'University of Salerno has inaugurated the fifth edition of Filmidea, review meetings and seminars with the protagonists of Italian and international cinema. As in years past, the proposed new billboard is full of appointments: December opens with M ° Nicola Piovani, while in January to continue with Toni Servillo, the plaintiff Pier Francesco Savino and Pupi Avati. The American director Spike Lee will be the guest most since February to end the cycle of appointments. The standard bearer of cinema afroamericano commitment, often struggling with the issue of racial conflicts between the different communities U.S., Italy has directed his last film The Miracle of Saint Anne, whose exit in the halls is planned for 2008 . The film recounts the events surrounding the Nazi massacre consumed August 12, 1944 in Sant'Anna di Stazzema in Versilia and draws inspiration from the homonymous novel by James McBride.
In addition to the debates, Filmidea proposes the projections of some films directed by guests in the program.

Students but also enthusiasts have awarded over the years the continued growth of Filmidea, an event desired by the chairs of Contemporary History, History of Cinema, Sociology Process Cultural and History and Criticism of Cinema, University of Salerno. A success enshrined in the presence of Monicelli, Tornatore, Deaf, Morricone, Baudo, Scola, Ligabue, Battiato, Ferretti and many other names seen in the cinema and in the show. Fulcrum of the initiative is to bring young university students to protagonists of those works that are most often studied during the courses. An opportunity to check the bed, to deepen the knowledge or simply let stir by whom excels in art. But Filmidea is primarily "a teaching project which has as a centre cinema", as it defines one of its promoters, the teacher of Contemporary History Peter Cavallo. Born from the need to supplement or enrich the study of history and the seventh art. "Refining the view" is a necessity before the uncontrolled spread of images that crowd our gaze and impoverish increasingly gaze. Soffermarsi on because of some sequences on their sense, their references to reality, but also on "secrets" of the trade author is a precious moment to understand the mechanisms that underpin the modern cultural creation of imagination.

Prime ciack December 13 with the prize oscar Nicola Piovani, author of soundtracks for Fellini, Bellocchio, Moretti and Benigni, able to try between genres and narrative registers very different. Rispettando la consueta formula di Filmidea che vede gli ospiti subito “bersagli” privilegiati delle domande del pubblico, Piovani si è aperto alla curiosità della platea che lo ha calorosamente accolto nel teatro dell’ateneo salernitano. Fra i temi toccati, si è soffermato sul modo di pensare al cinema, il metodo di lavoro dall’ideazione agli arrangiamenti finali di una colonna sonora, senza dimenticare alcuni aneddoti appassionati sul periodo in cui ha lavorato ed ha stretto amicizia con Federico Fellini, Bellocchio, Moretti e con Benigni.

Il maestro ha rotto subito il ghiaccio, salutando i suoi interlocutori con una battuta rubata a Monicelli a proposito del segreto per rimanere giovani “Ad un certo punto, bisogna smettere di frequentare i coetanei stare con chi ha meno anni di te…”, una frase con la quale ha voluto esprimere il piacere che ha nell’incontrare i ragazzi delle scuole e delle università. Ha poi delineato quello che potrebbe essere un sogno, un’utopia sul cinema “Amo l’aspetto artigianale dell’arte ed il cinema dovrebbe ritornare ad avere la dignità di un’arte. Così come si fa con le opere d’arte visiva, quadri, sculture, videoarte ecc, nei musei dovrebbero permettere la proiezione continua dei grandi capolavori del cinema, così che tutti ne possano fruire”.

L’incontro è poi entrato nel vivo quando Piovani, in risposta ad una domanda del pubblico, ha spiegato passo dopo passo il suo metodo di lavoro ad una colonna sonora. Ha esordito precisando come ogni regista abbia le sue esigenze particolari e che, di conseguenza, con ognuno si instauri un rapporto diverso. In alcuni casi, come per Caro Diario di Moretti, ha dovuto lavorare in soli dieci giorni su un film già completo. Nelle situazioni “più comode”, come nell’attuale impegno con Liorret, i tempi di produzione sono più rilassati e c’è la possibilità di lavorare in maniera accurata. Il compositore ha raccontato di come la sua prima linea compositiva fosse nata già al telefono con il regista francese. Mentre costui elencava gli attori del cast, Piovani cercava le loro foto sulla rete e, partendo dai volti e dalla prima stesura della sceneggiatura, iniziava a tratteggiare le prime impressioni che avrebbe sviluppato successivamente. “Con il regista si lavora molto nella prima fase della produzione, si raccolgono le sue idee, si dibatte sulle scelte stilistiche. Durante le riprese, il regista è come se scomparisse, diventa irreperibile per tutti quelli che non sono sul set. In seguito un lavoro di rifinitura, prima sulle bozze del girato, poi sulle sequenze definitive”. Proseguendo nella spiegazione, Piovani ha descritto la fase in cui si giunge, a montaggio concluso, ad uno schema definitivo in cui sono indicati il numero e la durata dei brani da inserire nelle scene. C’è quindi la fase che cita come una delle più creative e stimolanti, quella della direzione durante la registrazione. A differenza del tempo musicale, il montaggio cinematografico non è isoritmico, ha continue accelerazioni, cadenze non regolari e per questo bisogna adattare quanto più possibile la musica al lavoro del montatore. Una competenza questa che si esprime durante la direzione di un’orchestra. Altro aspetto fondamentale nella composizione, è la scelta degli strumenti, pensata in maniera tale da non creare conflitti con i suoni di scena ed i dialoghi. Senza mai scendere in dettagli troppo tecnici, Piovani si è infine soffermato sull’uso psicologico della colonna sonora. Questa può essere descrittiva e didascalica nelle opere a lettura unica, come ad esempio una telenovelas. Ha spiegato quanto la musica abbia un ruolo ancora più importante quando “fa vedere quello che non c’è in scena, quando entra nei personaggi e ne svela tratti non immediatamente visibili”, quando eccita l’attenzione dello spettatore. In questo caso si aprono più livelli di lettura, basati sull’ambiguità del testo, sullo scostamento fra senso e referente.

Interrogato sull’assordante “debordare” delle musiche nelle attuali produzioni cinematografiche, soprattutto americane, il maestro ha stigmatizzato come per una major discografica sia molto conveniente riuscire ad usare un film come trampolino di lancio per un prodotto discografico. La forza della promozione ha inoltre l’effetto collaterale di omologare tutto il mondo ad un tipo di musica, di genere per lo più pop, tutta costruita sul 4/4 e preferibilmente danzabile. “Oggi il 4/4 unifica ritmicamente tutto il globo” ha amaramente ammesso. “Dagli Usa all’India, fino al Giappone e l’Africa, si può ascoltare sempre lo stesso ritmo e ciò è dovuto solo ad una questione di mercato”.

Altro momento importante, è stato quando la rievocazione delle esperienze con Federico Fellini , un unico flusso di tre film nell’arco di dieci anni, condividendo con i presenti gli aneddoti soprattutto sui primi incontri con il maestro di Amarcord . “Con Fellini il lavoro era leggero, divertente scherzoso, sebbene dagli stranieri fosse considerato, in maniera greve, un faro”. Piovani confessò al maestro di aver provato molto stupore nel vedere questo suo approccio così infantile al cinema. Fellini però corresse la sua affermazione dicendo che lui aveva un rapporto più che altro “ginnasiale”. “L’aggettivo”, ha continuato Piovani, “si è rivelato davvero il più appropriato perché il suo modo di disporre il lavoro era quello di un ragazzo che si diverte, che gioca con le storie ed i personaggi”. Ha citato in proposito l’esperienza ne L’Intervista , “un film a scatole cinesi che Fellini portò avanti quasi per scherzo, di settimana in settimana”.

Altra curiosità, Piovani ha candidamente ammesso di aver avuto spesso il desiderio di modificare la sua musica, dopo la visione (e l’ascolto) dei suoi lavori. “Viene sempre il pensiero di aggiungere qualcosa, di voler marcare meglio alcuni dei passaggi, soprattutto in riferimento alla risposta del pubblico. E’ una cosa impensabile al cinema, ma che diviene possibile al teatro o quando faccio dei concerti. Lì, durante le repliche, basandomi sulla reazione degli spettatori, posso pensare ed operare delle modifiche sulle partiture. Da questo punto di vista, il teatro è molto più sti
molante.”.
A tal proposito, il musicista ha riferito di un episodio di densa umanità con protagonista Fellini . Il regista non amava rivedere i suoi film al cinema perché “i film sono dispettosi”, diceva. Gli sembrava infatti che ogni sequenza gradita al pubblico fosse troppo veloce, ed immancabilmente provava il desiderio irrealizzabile di rimontarla. Quando, in occasione di un importante premio, dovette presenziare alla visione di una sua pellicola, cercò tutto il tempo di distrarsi aprendo, chiudendo e stropicciando gli occhi, così da “vedere un altro film e pensare che quello non fosse il suo…”.

Sulla stagione di collaborazione con Bellocchio , il compositore ha spiegato brevemente la parabola che ha portato i due artisti a separarsi quando ebbero intrapreso due strade diverse. Negli anni ‘80 Bellocchio aveva iniziato un percorso che lo portava verso una maggiore ricerca introspettiva dei suoi personaggi. Chiese quindi a Piovani dei commenti musicali che “riassumessero l’intero senso del film”. Il musicista invece era impegnato in una ricerca che dell’essenzialità, verso la sperimentazione di una piena funzionalità fra note e scene. Dopo Gli occhi, la bocca , film al quale lavorò con un certo disagio, Piovani ricevette una nuova richiesta da Bellocchio di scrivere qualcosa per l’ Enrico IV ma, a quel punto, le due carriere dovettero per forza proseguire separate.

In risposta ad una domanda di uno studente, le ultime battute dell’incontro hanno riguardato la capacità della musica di descrivere sensazioni estreme come la morte, in film come La stanza del figlio e La vita è bella . Partendo da un’attenta analisi tematica, Piovani ha distinto nettamente le due opere e, quindi, il suo diverso approccio. Ne La stanza del figlio , Moretti ha messo in scena il percorso di una famiglia nell’affrontare la morte, indebolita dal fatto di non avere “l’attrezzatura culturale” adatta. E’ una famiglia in cui la religione ed i suoi schemi di elaborazione del lutto sono assenti. La musica si inserisce in questa dimensione psicologica di solitudine improvvisa derivante dalla morte, di assenza di conforto, un’instabilità che solo pian piano si compone. Diversa è invece la prospettiva de La vita è bella di Benigni. Qui si parla incessantemente di amore, della forza che ha il protagonista nel sacrificarsi senza riposto per i suoi cari. L’atmosfera è quella di una favola su cui si abbatte la tragedia della storia, dove la musica racconta la vitalità del protagonista, il suo disperato desiderio di vita nonostante tutto. Un’interpretazione sonora così ben riuscita da meritare il premio oscar.

Spazio anche per un commento finale sull’utilizzo delle sue musiche per la pubblicità . Ha infatti affermato che “generalmente è una cosa che non gradisco”. Ha inoltre precisato che i diritti sui temi dei film con Benigni, ad esempio, non sono stati concessi a nessuno, sebbene ben pagati, mentre è capitato, per una questione di fretta e superficialità, che una composizione di Cario Diario sia divenuta commento di uno spot di una nota marca di pasta. “La cosa è abbastanza strana, se non fastidiosa” ha scherzato, “quando ai concerti parte quel brano e si avverte dal brusio che il pubblico conosce bene quella canzone, proprio perché fa parte di una pubblicità. Se una musica nasce per un film, riutilizzarlo per un promozionale la fa deviare dalla sua natura.”

Info sugli appuntamenti

Milos Forman ha un merito innegabile: quando volge il suo sguardo verso il passato, quando piega le sue corde registiche alle regole del film in costume riesce sempre, incredibilmente, ad infondere un’aura di verità ad ogni sua inquadratura.

Non la Verità con la maiuscola dei grandi sistemi di pensiero e degli interrogativi esistenziali sempre vivi in ogni epoca della nostra storia, ma la verità minuta delle piccole cose e dei paesaggi, degli oggetti e dei vestiti. Una dote, quella di cui stiamo parlando che era sommamente espressa in Amadeus (a tutt’ora una delle opere più convincenti e compatte del regista, specialmente se pensiamo alla più compiuta director’s cut ), ma che ritorna esemplare anche in L’ultimo inquisitore (poco comprensibile titolo italiano che traduce a modo suo il molto più suggestivo Goya’s ghost dell’originale).

Il fatto è che quando vediamo una sedia in un film di Forman la nostra impressione è che quella sedia non sia un mero oggetto scenico, ma una sedia “vera” su cui sono andate (e andranno) a sedersi persone “vere” che esercitano su di essa un peso più che concreto. Se vediamo una tavola imbandita piena di ogni prelibatezza sentiamo che quelle pietanze non sono lì semplicemente per far scena (il velo di illusione che è la condanna di ogni film in costume per il quale ogni spettatore è obbligato a ricordare gli anni che intercorrono tra la storia raccontata dalla pellicola e il suo presente nella sala cinematografica), ma che hanno un sapore, una consistenza, un profumo.

Gli elementi che riempiono le inquadrature formaniane, pur nella loro natura finzionale di arredo o di costume per un film che viene ripreso nel presente, sembrano quasi voler rivendicare il loro “uso” nel passato. Avevano uno scopo, un senso, un valore che resta concreto nell’affabulazione del racconto. La loro “realtà” è, insomma, esterna alla sequenza che le ospita e la sedia, che era tale prima che le luci si accendessero sul set, sembra volerci dire, con la sua ingombrante presenza, che continuerà ad essere tale anche quando le luci si spegneranno.

Non sappiamo dire da cosa nasca esattamente questa magia formaniana, ma l’impressione che ne ricaviamo è quella di avere a che fare con un film girato totalmente in esterni, su locations vere. Un’impressione che continua anche quando il trucco un po’ più esibito o la smagliatura di un dettaglio ci rivelano che quella stanza che stavamo osservando era in realtà costruita in studio e che quegli stucchi alle pareti che parevano veri sono, in realtà, frutto del lavoro delle maestranze del film.
Non c’è patinatura, quindi, nelle opere in costume dell’autore. Viene evitato, insomma, il pericolo estremo dell’effetto quadro che tanto funesta le fiction televisive nostrane alla Elisa di Rivombrosa .
Strano dire questo per un film, come Goya’s ghost che, raccontando la storia di Spagna dal punto di vista di uno dei più grandi pittori della Storia dell’Arte (Goya, appunto) è tutto sostanziato da riferimenti pittorici concreti, da citazioni puntuali del grande maestro fino alle ovvie e necessarie riprese dei suoi capolavori. Eppure è proprio in questa frattura tra un’inquadratura alla costante ricerca di dettagli pittorici che riesce, però, a non essere banalmente pittorica risiede forse il più concreto motivo di interesse di una pellicola che, per il resto, ci pare (e ci fa male dirlo) ampiamente fallimentare.

Pur nella sua volontà di raccontare la posizione tragica dell’artista costretto a vivere da testimone nel suo tempo senza poter mai agire, senza riuscire mai ad essere nell’azione, il film risulta, infatti, fallato da una costruzione narrativa troppo vasta ed iperbolica (un difetto di esaperazione dell’impianto che ritroviamo, in fondo, anche se in maniera meno ingombrante anche nell’ultimo film di Coppola Un’altra giovinezza ) che troppo fatalmente condensa un gioco di specchi e rimandi che si muovono tra due generazioni. Un arco narrativo eccessivo, buono più per un lungo romanzo che per un film di appena due ore e che risulta, per questo, poco credibile.

Forse il problema più grande è che mentre in Amadeus la Storia riusciva concretamente ad essere uno sfondo ben messo a fuoco sulle vicende di un individuo eccezionale e per sua natura estremamente interessante, in Goya’s ghost non si crea equilibrio tra il melodramma dei personaggi e il mondo in tumulto che li circonda. E il risultato è appesantito, oltretutto, da un cast fuori parte in cui i personaggi secondari e le comparse sembrano avere più concretezza psicologica dei protagonisti stessi.

Peccato perché le potenzialità del capolavoro c’erano davvero tutte.

La qualità audio-video

Colori corruschi e tinte fosche, neri omnipervasivi sono non solo il tratto distintivo di molti dei capolavori di Goya, ma anche gli elementi distintivi di molte inquadrature del film di Forman. Molte scene sono fondate su condizioni luministiche precarie, su colori terragni ai limiti di un buio che tutto sembra voler ingoiare (il buio dell’inquisizione, a pensarci). La pellicola, insomma, doveva rappresentare una vera e propria sfida per i tecnici chiamati a comprimerla sulla superficie di un piccolo disco digitale. A guardare il risultato ci pare di poter affermare che tale sfida è stata solo parzialmente vinta. Pur se non si evidenziano, infatti, durante la riproduzione pesanti segni della compressione, non di meno si ha l’impressione che parte della tavolozza formaniana sia stata sacrificata sull’altare della sintesi dei numeri binari. Ne risulta un quadro un po’ troppo piatto e una relativa carenza di sfumature nelle scene più scure.

Decisamente migliore la resa sonora del film che si avvale di una codifica 5.1 pulita e discretamente avvolgente.

Extra

I contenuti speciali sono la vera nota dolente del pacchetto dvd offerto dalla Medusa.
Al di là di poco interessanti interviste e di un troppo breve backstage c’è spazio solo per trailers e promo che lasciano decisamente il tempo che trovano. Forse un doppio disco con un buon documentario sull’arte goyesca sarebbe stato più gradito.

( Goya’s ghost ); Regia : Milos Forman; interpreti : Javier Bardem, Natalie Portman, Stellan Skarsgard; distribuzione dvd : Medusa Home Enterteinment

formato video : 2.35:1 audio: Dolby Digital 5.1 (italiano e inglese) sottotitoli : italiano per non udenti

Extra : 1) Promo 2) Interviste Cast e Tecnici 3) Sul Set 4) Trailer 5) Trailer originale